Ideen & Gedanken über Musik machen und lernen

(English)

Ich finde es wichtig, dass alle Kindern und Jugendlichen - unabhängig von ihrem Hintergrund und ihren Umständen - die Möglichkeit haben um:

• mit anderen Kindern und Jugendlichen zusammen Musik zu machen;
• zu entdecken, wie sie sich selbst und einander zuhören, Verantwortung für ihre Rolle in einer Gruppe übernehmen und sich gegenseitig unterstützen können;
• ihre Musik regelmässig mit Zuhörerinnen teilen zu können;
• eine Ganzheitliche Verbindung mit Musik zu entwickeln, durch gemeinsam Themen wie Rhythmus, Klang, Intonation, Ausdruck, Bewegung, Fokus, Geschichte, Stil usw. zu forschen und das Entdeckte im Instrumentalspiel zu integrieren.

Die Orchester & Bands sind Gruppen in welchen alle SchülerInnen gemeinsam Musik machen. Für was in den grossen Gruppen noch schwierig ist, können die SchülerInnen in der Lektionen mit kleineren Gruppen Lösungen finden.

Ich finde, dass Kinderorchester zu oft eine Imitation von Profi-Orchester, mit “Mini-Erwachsenen”.
Für mich ist es wichtiger, dass die SchülerInnen entdecken wie sie gemeinsam Musik machen und ihre Musik mit anderen Teilen können. So wie sie es in dem Moment selber machen möchten.

Ich zeige nicht wie man das Instrument spielen muss, sondern, ich versuche zu helfen herauszufinden, wie das Instrument am einfachsten benutzt werden kann, um Musik zu machen.
Das heisst nicht dass die SchülerInnen nicht lernen das Instrument zu spielen! Es heisst aber, dass das Ziel nicht ist um so bald wie möglich "schön" und mit einer "richtigen Technik" vorspielen zu können, sondern dass die SchülerInnen selber entdecken was für sie am besten klappt.

Das gleiche gilt für Musik Theory: die SchülerInnen lernen die "Grammatik der Musik-Sprache" durch die Sprache zu sprechen und benutzen und forschen.
Ich verweigere Kindern Noten zu geben mit Nummern, Buchstaben und Pfeilen dazu geschrieben. So lange die traditionelle Notenschrift noch zu abstract ist, haben sie andere Arten von Notation. Wenn die Notenschrift Sinn macht, dann brauchen sie keine Hilfsräder.

Für Kinder empfehle ich Gruppenunterricht, weil Kinder - meiner Meinung - am meisten von einander lernen.
In der Gruppe wird getanzt, gesungen, gezeichnet und Musik gemacht, mit Streichinstrumenten und Klavier.

Durch Tanzen und Bewegung lernen die Kinder beim Instrument spielen ihren Körper effizient zu benutzen, was wichtig ist für einen gesunden Klang. Selbstverständlich werden mit Tanz und Bewegung auch Puls und Rhythmus trainiert.

Durch Singen, Solmisation und Klang-Spielen wird das notwendige innerliche Hören trainiert.

Mit "Fähigkeitsspielen" werden die für das Spielen vom Instrument wichtigen Muskeln und die Feinmotorik trainiert.

Die Kinder zeichnen und schreiben die Lieder die sie Singen und spielen, was ihnen später helft um das traditionelle Notenbild auch als eine grafische Darstellung vom Klang zu sehen: sie hören was die Notenschrift bedeutet und spielen was sie innerlich hören.

Ich spiele selber ohne Schulterstütz und versuche den Schülerinnen und Schülern auch zu helfen die Instrumente so frei und natürlich möglich spielen zu können. (Kurze Erklärung über spielen ohne Stutz.)

Ich versuche meine Erfahrungen mit Körperarbeit und die Ausbildung “Teaching Yoga and Mindfulness to Children" im Unterricht einzubinden.

Menschen die mit Links schreiben und zeichnen, können - wenn sie möchten - mit Links streichen, weil beide Hände beim Spielen eines Streichinstrumentes wichtig sind, aber -meiner Meinung - die Bogenhand führend ist.

Thoughts & Ideas about teaching music

It is important to me, that all children and young people – regardless of their background and circumstances – have the opportunity to:

• make music together with other children and young people;
• discover how to listen to themselves and each other, take responsibility for their role in a group, and support one another;
• regularly share their music with listeners;
• develop a holistic connection with music by exploring themes such as rhythm, sound, intonation, expression, movement, focus, history, style, etc., together and integrating these discoveries into playing their instruments.

The orchestras and band are groups in which all students make music together. For things that are challenging in playing in the big groups, the students to find solutions in the lessons with smaller groups.

In my opinion, Children Orchestras are too often an imitation of professional orchestras with “Mini-Adults". I rather give them the opportunity to experience how to make music together and share their music with others. In their own ways.

I do not show how to play the instrument, but I try to help to discover what is the easiest way to use the instrument to make music.
That does not mean that studenst do not learn how to play the istrument! It means, that the goal is not to be able to play the instrument "nicely" and with "a proper technique" as soon as possible, but to encourage the studenst to discover themselves what works best for them.

Same for music theory: they learn the "grammar of the musical language" by speaking and "researching" the language.
I refuse to give them notes and write letters, numbers and arrows in the music. As long as the traditional notation is too abstract, they get other notations. When they understand the concept of musical notation, they do not need "training wheels".

For children I recommend Group Lessons, because I am convinced that children learn most from playing with each other.
In the groups they dance, sing, draw, write and make music music, with string instruments.

Through dance and movement, the chilren experience how to use their bodies in an efficient way, which is important for both a healthy body and a healthy sound. And of course dance and movement also help to train pulse and rhythm.

Through singing, solmisation and sound-games, the children develop their "Klangvorstellung".

Through agility-games, the children train muscles and fine motor skills, that heklp to play the instrument more easily.

The children draw and write the songs they sing and play. That helps them to recognise the traditional music notation as a visual presentation of sound: they see the notes, they hear what the notes mean and they play what they hear.

I play without a shoulder rest or any other protheses and I also aim to help the students to play the instruments as freely as possible. (Short explanation about playing without a shoulder rest.)

I do my best to integrate my experiences with body work and the course “Teaching Yoga and Mindfulness to Children" in the music lessons.

Left handed students can - if they prefer - use the bow with the left hand, because both hands are important playing a string instrument, but in my opinion, the bowing hand is the dominant hand.